Le roadtrip de Federico.

Federico Casagrande – Gentle Riders

(Soundfede / Inouïe Distribution)

Federico Casagrande nous a, l’an dernier, emmené faire un trek en solo (Looping Mont Blanc) avec sa guitare. Il nous propose avec ce Gentle Riders de faire un tour dans le Midwest américain avec deux compagnons de route, le bassiste Etienne Renard et le batteur Stéphane Adsuar. Tous les trois sont familiers de la scène jazz parisienne. Et si l’album a été enregistré à Montreuil, il sonne comme s’il l’avait été dans une des granges de J.J. Cale en Oklahoma. Les belles lignes claires de la Stratocaster sont à peine agrémentées d’un peu de réverb’. Les deux acolytes assurent une rythmique souple et élégante qui laisse le guitariste vagabonder dans les grands espaces. Federico Casagrande soigne ses mélodies dans un univers qui oscille entre country et jazz. Il n’est pas question pour le trio de paraphraser les formations étasuniennes, ils revisitent le mythe du cowboy mais vu depuis l’Europe. Le morceau qui clôt l’album est explicite, déjà par son titre, Existentialism in the Life of a Modern Cowboy. Une longue intro en guitare solo puis, entée en jeu du fameux rythme du cheval qui trotte, les balais sur la caisse claire, la contrebasse qui ponctue en douceur et les notes qui s’envolent du manche comme libérées. L’accordina de Vincent Peirani, présent en invité sur Good Night Mongolia, sonne, au début, comme l’harmonica de Charlie McCoy avant de se rapprocher du son de l’accordéon et du phrasé typique de Peirani. Bunch of Fellows, signé par Stéphane Adsuar, célèbre sous la forme d’un blues, l’amitié, celle d’un groupe de cowboys anonymes ou peut-être aussi, celle des membres de ce trio. Et quel solo de guitare !

Gentle Riders peut aussi s’écouter comme la bande son d’un roadtrip virtuel dans un pays autant rêvé que fantasmé. Un régal.
Et n’oublions pas : Real Cowboys Do Cry

Federico Casagrande – guitares
Étienne Renard – contrebasse
Stéphane Adsuar – Batterie

Tatanka: Le retour de la bisonne

Tatanka Quartet : Sowi Ingwa

(Label La Bisonne / L’Autre Distribution)

Pour leur troisième album, le trio Tatanka de la trompettiste Emmanuelle Legros est devenu un quartet avec l’arrivée de Carole Marque-B. Kaftandjian au duduk. Le bison peut désormais courir sur ses quatre pattes dans les plaines fertiles du jazz. Il reste cependant fidèle à l’esprit du groupe, un jazz coloré, des voix qui s’immiscent avec discrétion, ou plus de fermeté, dans la conversation des instruments. Les claviers de Guillaume Lavergne, la batterie débridée de Guillaume Bertrand et le bugle enchanteur de la leadeuse. Ils partent dans les prairies herbeuses de l’Arizona

dans une suite en cinq stations qui évoque les Kachinas, poupées traditionnelles Hopi mais aussi les croyances, les coutumes des peuples autochtones. L’immersion se ressent particulièrement dans Hemis – la Pluie. Un thème entre danse et transe telles que peuvent l’être dans notre imaginaire les soirées chamaniques sous un ciel étoilé. Leur version de O Virgo Splendens, tirée du Livre Vermeil de Monserrat est de toute beauté. Tout en sobriété avec les canons entre trompette et duduk dont les timbres se mêlent à merveille. Ils sont discrètement éclairés par des percussions légères. On reste dans l’esprit méditatif du début de l’album et on ne le quitte d’ailleurs pas pour le morceau final, Jour de neige.  Une boucle sur le Rhodes, rif de basse à main gauche, nous entraine vers un état contemplatif puis la mélodie des souffles se développe, à peine ponctuée par les baguettes. Magique !

Venant d’univers différends, jazz, musiques improvisées, free, musiques traditionnelles, le quartet Tatanka fait preuve d’une belle cohérence. Il nous offre, avec Sowi Ingwa, une poétique invitation au voyage dont l’humeur est vagabonde, parfumée d’un brin de nostalgie. Partons ensemble ! 

Emmanuelle Legros – bugle, trompette, toy piano, voix, compositions
Carole Marque-B. Kaftandjian – duduk, saz, clarinette turque, voix
Guillaume Lavergne – piano, Fender Rhodes, voix
Guillaume Bertrand – batterie, percussions, voix

NB: Si vous aimez les bisons, vous pouvez lire avant, après ou pendant l’écoute du disque, « Lakota », le nouveau roman de Caryl Ferey, paru à la Série Noire. Là aussi une plongée dans l’univers des Amérindiens. Les tatankas y joue un rôle non négligeable. Surtout un, rôle très court, mais important pour l’intrigue

Laurent David’s Kilter Trio

KILTER

Ten & Ten Billion Years

(https://kiltertrio.bandcamp.com )

Laurent David est un bassiste électrique qui aime à tenter des expériences musicales qui sortent des sentiers battus. Il partage sa vie entre Paris et New York ; des lieux qui nourrissent ses gouts et ses envies musicales. Il y a eu l’élégance de son album solo Naked (Label Durance 2019) et les fulgurances de son trio M&T@L où il revisitait en mode jazz-métal quelques titres du groupe Metallica : IK (Label Durance 2016). C’est plus vers ce dernier que tend le nouvel opus, lui aussi en trio mais avec deux musiciens étasuniens : Ed Rosenberg III aux saxophones basse et ténor ; Kenny Grohowski à la batterie (il a beaucoup joué avec[jl1]  John Zorn) . Opus double puisqu’un EP de 10 minutes Ten complète l’album lui-même Ten Billion Years.
Il n’est pas aisé de pénétrer l’univers musical compact du groupe. Les strates se superposent. Les notes s’étirent, faiblissent puis enflent. Les basses envahissent l’espace cinglées par les cymbales. Entre jazz et métal avec un brin d’esprit punk. Pas de shredder ici, les tempi sont lents (à l’extrême parfois mais jamais contemplatif), la virtuosité est dans l’écoute, dans la confrontation des timbres. Pardon à vos voisins mais le disque mérite d’être écouté fort afin de mieux s’imbiber des sons.  Parfois, comme dans Falling & Vaporizing, le ténor vient égayer l’ambiance d’une ligne mélodique plus fluette mais bien vite grosse caisse et basse électrique reprennent le pouvoir !
La deuxième (ou troisième) écoute sera plus sereine et on pourra mieux apprécier les nuances, les trouvailles sonores et rythmiques.
Et, Escaping to Infinity qui clôt l’aventure stellaire de 10 milliards d’années, vous ramènera, pas forcement paisiblement, dans votre fauteuil, face à votre chaine HiFi qui déjà en redemande. 
Les trois compères n’en sont pas à leur première expérience discographique. N’hésitez pas à fureter leur bandcamp  à la recherche d’autres pépites. L’opéra métal, live La Suspendida est aussi un petit bijou étrange.

Petite note personnelle, je verrais bien Marc Ducret poser quelques luminescences avec une de ses guitares sur une version alternative de ce Ten Billion Years.

Pour vous laisser tenter :

Dans les croches du temps

En cette deuxième semaine du printemps des arts, le public a pu apprécier, entre autres, des laudes italiennes du treizième et quatorzième siècle, une création spectaculaire, Thirteen ways of being a blackbird, autour d’un poème épique de Kate Colby.

Premier acte : Au milieu coule une rivière…

 C’est l’impression qu’impriment les premières notes qui glissent de la flûte de Mara Winter, une des musiciennes de l’ensemble Gilles Binchois qui se produit en l’église Saint Charles.

Ce groupe présente des Laude Novella, compositions peu connues, entre musiques sacrées et profanes que promouvaient les confréries laïques au moyen-âge. Violon soyeux que manie avec entrain Héléna Winkelman, artiste invitée dans ce groupe mené par le ténor Dominique Vellart, dont le oud fait merveille pour accompagner pièces instrumentales ou vocales.

Et quelles voix ! Deux sopranos, Mirian Trévisan, Anne-Marie Lablaude aux voix pures et cristallines qui font monter ces laude dans un éther flottant, enrobant le public, soutenu par le ténor Giovanni Cantarini, à la tessiture délicate et profonde. La vielle à archet d’Alienor Woltrèche, grâce au son si particulier de cet instrument, complète l’équilibre parfait de cet ensemble.

La grâce, l’élégance sont au rendez-vous dans chacune de ces pièces, tout à tour poétiques, empreintes de spiritualité mais aussi sensuelles et virevoltantes, aux notes joyeuses d’une fête villageoise. Succession de moments exquis, d’émotions qui sourd des interprétations de ce répertoire étincelant.

Deux créations s’immiscent, se glissent intelligemment dans ces morceaux anciens : l’Ave regina gloriosa, dentelle savamment ouvragée par Dominique Vellard, grand spécialiste des monodies et polyphonies médiévales. O divino virgo, d’Helena Winkelman, aux tonalités et aux rythmes plus contemporains, trio flûte, vielle, violon, célèbre la vierge omniprésente dans ces Laude. Il n’est donc pas étonnant qu’en ce jour de St Joseph, un tonnerre venu du ciel sous forme de feu d’artifice interrompit, pour un court moment, ce concert, qui réussit à abolir le temps, l’espace, à créer un espace serein bienvenu en ce bas monde !

Deuxième acte : Tripal !

Ce néologisme tente de décrire les sensations d’un public médusé par la création étonnifiante du groupe Caravaggio, à l’occasion accompagné de la violoniste et chanteuse Diamanda La Berge Dramm

et de Garth Knox, alto, viole d’amour et vielle à archet à ses côtés. Enfin, Bruno Chevillon et Eric Echampard, respectivement derrière la contrebasse et les percussions multiples.
Le violoniste Benjamin de la Fuente et le claviériste Samuel Sighicelli ont donc élaboré, écrit, inventé un univers musical autour d’un long poème, I mean, de l’américaine Kate Colby, projet intitulé Thirteen ways of being a black bird ( précisons que d’autres extraits de poèmes de Caroline Bird sont aussi utilisés) . La vocaliste Diamanda La Berge Dramm (voix envoutante rappelant Björk, à la personnalité proche d’une Brigitte Fontaine) ressasse, psalmodie, éructe, susurre « I mean », début de chaque vers du poème, en point de rupture à cette longue mélopée venue des entrailles de la terre.

La batterie, les synthés, impriment jusqu’aux infra basses des vibrations qui pénètrent aussi bien dans la chair que dans l’esprit. En contrepoint , le quatuor à cordes multiplie à l’infini ces résonances, grâce à un jeu d’archets époustouflant, chacun créant des images sonores évocatrices de chaos et de violences, la mitraille, des éclairs zébrant des cieux qui s’obscurcissent, se voilent en fonction des lumières savamment concoctées pour accompagner cette création. Le public assiste là à une représentation totale, les sons, ciselés à l’extrême, enfantant, accouchant d’une histoire que chaque auditeur s’approprie.

Les références sont multiples, La route de Cormac McCarthy mais aussi des souvenir de films comme 2001 odyssée de l’espace ou bien encore Metropolis. Mais ces comparaisons sont réductrices, car la novation est totale, le groupe puisant dans nombre de genres musicaux, du punk au jazz, du rock au métal jusqu’aux musiques contemporaines numériques pour tracer une divagation puissante, une envolée spatiale tragique et envoûtante.

Le groupe Caravaggio a, certes, déjà bien surpris son public par ses projets multiples et inventifs, mais là, on atteint des sommets stratosphériques. Et on attend avec impatience leur prochaine création !

Le printemps des Arts continue …

Tout le programme sur : https://www.printempsdesarts.mc/programmation

Texte: Corinne Naidet

Photos: Jacques Lerognon

Printemps des Arts de Monte-Carlo, semaine1

Thème de cette édition qui s’étale sur plus d’un mois, l’histoire des instruments et la manière dont les musiciens traduisent et transmettent grâce à ceux-ci les propos des compositeurs.

Il n’est donc pas étonnant qu’en l’église Saint Charles,

le mercredi 11 mars, le festival commence par les voix du magnifique ensemble vocal La Venexiana. La voix, le plus ancien des instruments, que l’homme a appris à apprivoiser, pour le pire, et pour le meilleur, la musique. Le public part donc en voyage baroque avec de courts morceaux, des madrigaux de Carlo Gesualdo, compositeur du XVIème siècle. Dynamisme, décalages rythmiques surprenants pour ce type de composition, l’auditeur passera par tous les sentiments qu’a transcrit Gesualdo, du tourment jusqu’à la passion, souvent teintée de désespoir.

Les six chanteurs, virevoltent, changent de conformation, de place à chaque morceau pour mieux faire vivre ces madrigaux, leur donner des teintes, les habiller d’un son qui varie de pièce en pièce. Ce sera ensuite Claudio Monteverdi, interprétations inspirées et savantes des sixième et septième livres de madrigaux sur, entre autres, des poèmes de Pétrarque.

On pourrait évoquer une dentelle vocale, délicatement ouvrée, tant les interprètes se glissent dans ces compositions au ton si différent, laissant toujours l’émotion pointer, se répandre dans ce lieu à l’acoustique si intéressante.

Trois interludes, où l’on découvre le duo d’accordéonistes Xamp, Fanny Vicens et Jean-Etienne Sotty, avec leurs pianos à bretelles, accordéons microtonals, conçus par les deux musiciens.

Trois pièces modernes, en respons aux pièces baroques, respectivement composées par trois contemporains Toshio Hosokawa, Théo Mérigeau , enfin, Victor Ibarra. Trois manières de faire vibrer le souffle de ces instruments particuliers, d’en explorer les facettes, trois voyages dans le temps et l’espace.

Vendredi 13 mars c’est au Musée océanographique de Monaco que le festival donnait rendez-vous au public. Quel plaisir de délaisser les champs de bataille pour une bataille de chant ! Les belligérants entament allègrement la soirée, les archets (archers ?) en première ligne. Le général, chef d’orchestre Emiliano Gonzales Toro mène avec allégresse ses troupes, l’ensemble I Gemelli. Vivaldi pour commencer, continuer, en puisant, le rappelle fort justement l’arbitre, Mathilde Etienne, dans l’énorme répertoire du compositeur italien, entre autres plus de cinquante opéras. La battle, la « fight » peut commencer entre le ténor, tout de noir vêtu, Emiliano Gonzales Toro et le contre-ténor Jake Arditti, jouant le blanc immaculé, contraste savamment choisi.

Mathilde Etienne, donne donc pour chaque duel, les « critères de réussite », une émotion, la tendresse, le désespoir, un ressenti comme la fureur, la loyauté et une contrainte technique. Les champions des deux tessitures, offrent en duo ou en solo, des performances, au naturel désarmant, tellement que l’on en oublie le travail et la technique ; le gage du talent. L’on balance de la puissance et des couleurs chaudes des interprétations ludiques du ténor à l’élégance et au souffle impeccablement contrôlé du contre-ténor. Et vice versa ! Entre chaque morceau, la très érudite maitre d’œuvre donne au public quelques clés, bienvenues dans ce feu d’artifice vivaldien. Place à l’histoire des instruments grâce à trois intermèdes consacrés au hautbois le hautbois a suivi l’évolution du monde. Il est devenu plus rapide et plus puissant explique dans une interview  François Salès. Hautbois contemporain, avec cet interprète qui se glisse sur scène pour un court mais intense Spenta mainyu de Michel Petrossian ; l’esprit du bien en un combat éternel ( encore un conflit !) contre l’esprit du mal Anghra Mainyu dans la religion préislamique. Moderne, certes, mais qui s’inspire de musiques traditionnelles venues de la nuit des temps. Baroque avec Neven Lesage pour une interprétation sinueuse et magique d’un concerto du prêtre roux vénitien.

Place au chamanisme avec la création mondiale de Vincent Carinola, Métiers d’hier et d’aujourd’hui II Le chaman : François Salès, qui a écrit les paroles, revient sur scène avec un hautbois virtuel, interface d’un ordinateur, et nous plongerons dans les eaux glacées et profondes en compagnie de cétacés qui, ainsi que des ombres, chantent désespérément le monde et ses dérives.

Il est temps que le tournoi se termine, les deux chanteurs reviennent sur scène, avec I Gemelli pour un ultime combat meraviglioso, puisé dans les opéras de Vivaldi. Spectateurs médusés, sans voix pourrait-on dire devant la maestria et l’élégance des deux chanteurs.

Les deux héros sont fatigués, il est temps que la paix s’installe. Avec la musique, cela va de soi, et les deux complices entament un air de Farnace en signe de fraternisation mais aussi d’admiration mutuelle.

Pas de mort, pas de victime, c’est donc bien à une utopie (thème de cette édition) à laquelle le public, enthousiasmé et ravi, a assisté.

Quelques minutes plus tard, quelques mètres plus bas, Emiliano Gonzales Toro, décidément en grande forme, entame, en un after réjouissant; quelques chansons et morceaux connus en compagnie du directeur artistique du festival Bruno Montovani, du saxophoniste Vincent David et du bassiste Jeremy Bruyère.

Décidément, la musique se décline sous bien des formes attrayantes en ce printemps  ( un peu précoce !) des Arts à Monte-Carlo !.

Le festival se poursuit jusqu’au 19 avril !
Programme https://www.printempsdesarts.mc/

Texte: Corinne Naidet
Photos: Jacques Lerognon

L’esprit du vin

Le premier spectacle hors les murs présenté par l’équipe de la Scène 55 à Mougins, menée par son nouveau directeur artistique Pierre Caussin, Cépages dansants, concocté par la compagnie La Grive est une bien belle entrée en matière pour la saison 2025-2026. Une mise en bouche parfaite !

Un sommelier, caviste, ce n’est pas courant dans un spectacle. Pourtant, c’est bien l’œnologue Emmanuel Ménard qui mène la danse pour faire découvrir aux spectateurs confortablement installés face à des verres à vins, quatre crus savamment choisis. On dit que le vin a du corps, les deux danseurs qui interviendront à chaque dégustation, Clémentine Maubon et Bastien Lefèvre l’exprimeront avec intelligence, finesse et beaucoup de grâce. Oui, la Folle blanche ,un gros-plan du pays nantais, premier vin présenté, a de la nervosité, comme la gestuelle de Bastien Lefèvre, tout en soubresauts et en rythme. Les deux artistes sauront tout aussi bien représenter la rondeur, la complexité, les différentes saveurs fruités ou fleuris des trois vins suivants, sous l’œil imperturbable du caviste, qui, très docte, apprendra au public ravi, les secrets de la dégustation.

Le dialogue est constant, un geste, un mouvement esquissé, un pas de deux, la transparence ou la brillance  dans le verre, les mots du spécialiste, la découverte d’une saveur. Un final enlevé, où les danseurs enlaceront le sommelier pour célébrer le noble breuvage, et les plaisirs qu’il procure…avec modération, cela va sans dire !

Le vin tourne dans les verres, les danseurs virevoltent au milieu du public,

les mots du vin se mêlent aux notes des morceaux de musique qui accompagnent les danses, les cinq sens des spectateurs sont continuellement sollicités tout au long de cette expérience originale, une ode aux plaisirs de la vie et de la scène.

Texte: Corinne Naidet

Crédit Photos: Theatre-les-3-chenes

Le Dowland de Delphine Deau

Delphine Deau: Prepare For Dowland

(Pégazz & l’Hélicon)

Le compositeur anglais John Dowland est un peu le Lennon-McCartney de l’ère élisabéthaine. Plus de deux cents compositions essentiellement pour luth qui en ont fait une star. Il est toujours de nos jours parmi les favoris des amateurs de musique baroque et renaissance, repris de nombreuses fois par toutes les voix et luthistes qui comptent jusqu’à Sting avec Edin Karamazov en 2007. Mais la pianiste Delphine Deau, par ailleurs leadeuse de l’excellent quartet Nerfertiti, change un peu la donne en jouant les mélodies de Dowland en solo, sur un piano préparé.  Elle a réparti, au grés des différentes chansons, quelques éléments perturbateurs, sur les cordes et dans le corps du piano. Elle nous les cite tous dans les notes de l’album, on retiendra: patafix®, pinces à linge, pièce de monnaie, mailloche, ebow. Mais tous ces objets ne sont ni une facétie de l’artiste, ni de simples artifices. Ils font partie des arrangements de ces thèmes et ils donnent un brin de fantaisie, de modernité et surtout d’improvisation. Car, si on sait comment va sonner une corde de sol dans un piano, si on y fixe une pince à linge, le résultat comporte un petit zest d’aléatoire. La musique jouée, revisitée, par Delphine Deau nous entraine dans un véritable voyage dans le temps. On reconnait les harmonies de Dowland auxquelles se mêlent à un moment un piano stride dans le plus pur style New Orleans, des impressions de violoncelle, des percussions, quelques effluves de blues ou même des réminiscences des Sonatas de John Cage. Alors, jazz, baroque, musique contemporaine? Difficile à caser ou à classer mais un album joyeux que l’on prend plaisir à écouter et à réécouter car on y découvre toujours quelque chose. Et si vous souhaiter vous familiariser, (re)découvrir les lute songs de Dowland, avant ou après l’écoute de ce cd, allez vers la version de Nigel Rogers et Paul O’Dette chez Virgin Classic (une référence de 1988) ou celle plus récente- et non dénuée d’humour- de Damien Guillon et Eric Bellocq (Outhere 2011).

Et même si on n’a plus les beaux objets qu’étaient les 33Tours, l’équipe de Delphine Deau a conçu un très bel écrin pour emballer la musique sous la forme d’une feuille A3 au joli graphisme que l’on déplie pour retirer le CD. Poster face A, notes et crédits face B.

Le printemps des Arts à l’opéra de Monte-Carlo

Dans la programmation de ce Printemps des Arts, une soirée habilement conçue : De Debussy, le père de la modernité jusqu’aux successeurs de Pierre Boulez, et non pas, les enfants de celui-ci : Comme l’explique Philippe Hurel, un des compositeurs interprétés ce soir-là, dans une interview pour le Printemps des Arts, le programme est un hommage au personnage de Pierre Boulez, plus qu’un concert avec des morceaux ressemblant à la musique du célèbre compositeur.

Après un poème lu par Alain Carré,

c’est In advance of the broken Time– hommage au célèbre tableau de Marcel Duchamp, In Advance Of The Broken Arm – de Marc-André Dalbavie qu’entame l’Ensemble Court-Circuit, une pièce rythmée, rapide, virtuose. La flûte de Cédric Julion semble mener la danse,

les trilles égrenées par Jean Marie Cottet au piano répondent en écho, ainsi que la clarinette de Pierre Dutrieu, mais aussi les cordes de la violoniste Alexandra Greffin-Klein,

de l’alto Laurent Camatte et du violoncelliste Frédéric Baldassare sans oublier le vibraphone d’Eve Payeur : réverbérations du son et de l’image, travail tout en dentelle sur les rythmes,

ainsi que l’a annoncé le poème d’Émile Verhaeren : Toute la joie est dans l’essor !

René Char était un des poètes favoris de Pierre Boulez, c’est donc Dans la marche qui introduit la pièce suivante de Philippe Manoury, Ultima : Nous ne pouvons vivre que dans l’entrouvert, exactement sur la ligne hermétique de partage de l’ombre et de la lumière. Les mots lus par le comédien introduisent judicieusement ce morceau interprété par le trio clarinette, violoncelle et piano,

tour à tour complètement indépendants les uns des autres, tour à tour amorçant un dialogue (que l’on pourrait parfois qualifier de sourd, un comble pour un concert !)  qui casse les rythmes et les phrases…musicales.

Cette première partie se termine par… à mesure, une composition de Philippe Hurel, par ailleurs à l’origine de l’ensemble Court-Circuit. Les six musiciens, sous la houlette de Jean Deroyer,

le chef d’orchestre, sont d’une concentration extrême pour ce morceau jubilatoire, aux multiples tons, aux couleurs chaudes, aux riffs qui flirtent parfois avec le jazz. Spectrale, certes, mais aussi une musique ludique et pleine de vie.

Après l’entracte, Alain Carré nous propose un poème de Jean de la Ville de Mirmont, Mon cœur n’a jamais pris le chemin de la mer énonce t’il ; est-ce pour mieux introduire la sonate pour violoncelle et piano de celui qui composa La mer en 1905, Claude Debussy ? Une des dernières compositions d’un des inspirateurs de la musique contemporaine. Le piano et le violoncelle nous livrent une très belle interprétation, toute en finesse, en poésie.

Ici, on sent le plaisir de l’interprétation, la liberté de ton tout à la fois du compositeur et des musiciens.

Le concert se termine par Talea de Gérard Grisey, Talea, coupure en latin. De césures en cassures Et toujours ces musiciens qui semblent parfois seuls au monde,

toujours en synergie avec les autres interprètes.

Un concert parfois déroutant, mais toujours intéressant et captivant.

Texte: Corinne Naidet

Photos: Jacques Lerognon

Thomas Naïm, Acoustic Hendrix

Thomas Naïm:  May This Be Love

(Rootless Blues / L’Autre Distribution)

C’est tentant quand tu es guitariste de t’attaquer au répertoire de Jimi Hendrix. Thomas Naïm l’a déjà fait, il y a quelques années en mode électrique (celui auquel on pense tout de suite quand on évoque ce grand maitre de la Stratocaster). Mais, tout seul avec sa six-cordes acoustique (une Martin D18 et une Gibson LG2) c’est un autre chalenge que le guitariste réussi avec brio en treize étapes toute aussi belles les unes que les autres. Au milieu de compostions phares de l’homme de Seattle, Purple Haze, Manic Depression ou Voodoo Child, Thomas Naïm glisse quelques perles moins connues telles May This Be Love qui donne son titre à l’album ou One Rainy Wish. Trois des chansons ne sont pas signées Hendrix, Hey Joe (mais c’est tellement hendrixien), Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (on rappellera la fameuse anecdote où Paul McCartney entend sa chanson, sortie trois jours avant, jouée avec une certaine fulgurance par Hendrix au Saville Theatre de Londres en juin 67). La dernière exception est aussi d’un Beatles, Jealous Guy, magnifique ballade de John Lennon que Naïm joue ici tout en épure s’emparant de la partie vocale pour la magnifier sur ses six cordes. On pourrait évoquer la virtuosité avec laquelle tous ces thèmes sont joués, réinventés sans la moindre emphase, ni le plus petit m’as-tu-vu, mais ce qui impressionne c’est la façon dont Thomas Naïm c’est approprié chacun des morceaux pour le faire sien dans des arrangements qui mettent en valeur la beauté des mélodies. Une des plus belles preuves est Spanish Castle Magic où la « mise en acoustique » de cette chanson rythmée, saccadée, très rock en une promenade où chaque note semble attendre que la corde précédente lui donne la parole. Thomas Naïm a souvent un son très blues quand il joue en électrique, on s’attend donc aussi à un blues en acoustique et c’est Cherokee Blues qui, assez naturellement, conclu presque le disque tout seul mais à deux guitares.
Cet album ne serait pas aussi magique sans la très magistrale prise de son de Frédéric Carrayol et la direction musicale de Daniel Yvinec. Reste à espérer que l’on pourra bientôt voir et entendre cette musique en live et, petit souhait du chroniqueur, que Thomas Naïm nous donne sa version de  Villanova Junction qu’Hendrix joua un petit matin à Woodstock.

Le trio insolite de Julien Stella

Julien Stella: Atrium

(Pure Capture / l’Autre Distribution)

Deux ans après No Sax No Clar, le clarinettiste Julien Stella se lance dans une nouvelle aventure. Il met à l’épreuve sa virtuosité et sa créativité dans une formation insolite et atypique avec Lina Belaïd au violoncelle et Marie-Suzanne de Loye à la viole de gambe (éclectique musicienne baroque, elle a joué dans l’excellent Vanda de Lionel Ginoux très récemment). Avec cet album Atrium, ils nous proposent un voyage dans le temps et dans l’espace en onze étapes. Lina Belaïd n’hésite pas à gratter les cordes de son violoncelle façon strumming de guitare avant de reprendre l’archet pour quelques glissandos renaissance. Dans Rodhium, la clarinette énergique virevolte sur les notes apaisantes d’un kalimba. À la magnifique mélodie de One For Djivan G -où viole et violoncelle font, par moments, office de basse continue- succèdent d’étranges percussions en intro de … to Amampondo, la clarinette basse s’immisce entre les cordes frappées aussi peu académiques que percutantes. Aux harmonies klesmer de Memorandum répondent un peu plus tard celles moyen-orientales de Maï Sinaï et quand la bombarde s’invite à duotter avec la clarinette dans Laridé, c’est le départ pour les ports bretons. Quelques pas de danse qui nous ramènent à un extrait d’une séance d’enregistrement en solo dans une église avec ses réverbérations naturelles qui flattent le jeu subtil de Julien Stella. Le final Oloïd nous permet de revenir à l’initial Atrium comme une musique de chambre d’aujourd’hui où les suites de Antoine Forqueray rencontreraient des improvisations jazz.